A Mariologia de Piero della Francesca (1ª parte)
Piero della Francesca (Sansepolcro [Toscana] 1418-1492) é sem dúvida um dos maiores artistas italianos do século XV. A sua pintura espaçosa, monumental e impassível racional atinge os mais altos ideais do primeiro Renascimento, uma época em que arte e ciência estão unidas por vínculos profundos. Como Leonardo da Vinci, nascido duas gerações depois dele, Piero é um ótimo experimentador.
Mestre do Afresco, uma técnica em que ele se destaca, está principalmente interessado na aplicação das regras recentemente descobertas da perspectiva à pintura narrativa e devocional: o rigor matemático absoluto de suas criações contribui para melhorar a qualidade abstrata e icônica de sua pintura, dando às suas obras-primas um poderoso valor sacro.
Contexto
O humanismo moderno e a “devotio” moderna
O tempo de Piero é o humanismo, um fenômeno que, a partir do início do século XV, expressa uma nova confiança no mundo, no homem, em suas possibilidades cognitivas. O estudo dos clássicos literários e artísticos permite que a última fase da Idade Média construa os fundamentos do futuro renascimento. Os textos antigos são redescobertos, estátuas antigas, medalhas, moedas, fazem reviver a cultura clássica, grega e latina.
A recuperação do homem, de sua fisicalidade, não é mais mortificada na inconveniência da representação, que nunca tinha que ser muito realista, especialmente se fossem santos, virgens ou mesmo Deus. Torna-se evidente o estímulo de pesquisa na direção oposta, com gosto de um realismo que basicamente celebrou o homem, confiando a Deus e às criaturas celestes, rostos, corpos e sensações que exprimiam o mundo de todos os dias.
A cultura popular se tornou um modelo de valores trágicos: portanto, não mais o medo de representar Deus em uma roupa humana. Um sermo vulgaris que se torna épico na figuração parietal, nos ciclos que exaltam a Virgem em sua qualidade como mãe, na humanidade rasgada de Cristo crucificado, no ascetismo místico íntimo de um santo.
Na realidade, o humanismo, na arte italiana, começa bem antes de seu paralelo literário: Arnolfo, Giotto, Nicola Pisano são os pais antigos desse novo sentimento de homem, ainda primordial, talvez inconsciente, mas já orgulhosamente tenso para perguntar a Deus o direito existir independentemente do divino. Qualquer modéstia iconoclasta começou a desaparecer desse medo de tocar os lábios de Deus com o pincel, de desenhar o busto de Cristo ou o ventre de Maria grávida.
Nenhuma vontade de síntese, porque o homem se encara em uma reflexão estética narcísica que o leva a procurar nas virgens, nos santos, em Cristo, na criança, as características de sua fisicalidade dramática, de sua humanidade indispensável. Tudo isto é na arte o milagre do humor: a arte antiga, literalmente encontrada nesse período, refere-se à celebração do mito de alguém, na elegância do nu, no qual uma testa lisa se torna pura pensamento.
Piero della Francesca acredita no homem e ergue sua beleza com um cânone moral, ético, capaz de fascinar os mais sublimes momentos da existência nos espíritos mais elevados. O desafio extremo da pintura medieval inicial é dialogar com o divino sem poder fechá-lo no léxico visual da humanidade. Os rostos são silenciosos, distantes, enquadrados em arquiteturas que são um símbolo quase metafórico do mundo circundante.
Os valores arquitetônicos tinham como pano de fundo não uma paisagem ou um céu atravessado por nuvens ou pássaros, mas uma folha de ouro com a qual o muito moderno Piero é forçado a se confrontar no Políptico da Misericórdia, provavelmente sua primeira obra conhecida.
Mas os personagens de Piero, especialmente a Virgem Santa Maria, se expressam com silêncio, com uma impessoalidade cheia de significados, em rostos talhados no volume, amplas comparações habitadas por pensamentos simples, uma dramaturgia que vai se resolvendo, como o sombras, na luz; paz no espaço inteligível.
O que o impressiona é o uso da luz, uma luz difusa que vem da mistura somática de cores, que ele aprende com Fra Angélico, nas paredes “afrescadas” do convento de San Marco em Florença, e assim se transforma em poesia.
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